Cinco exposiciones en el Museo de Arte Contemporáneo de Utah son un excelente argumento para la amplitud y profundidad de las obras contemporáneas de los artistas de Utah.

Cinco exposiciones actuales en el Museo de Arte Contemporáneo de Utah (UMOCA) pintan en conjunto un retrato impresionante de la amplitud y profundidad de las obras contemporáneas de los artistas de Utah. The Utah Review resume el quinteto de exposiciones en este resumen.

Un gran Utah

Para quienes están fuera de Utah y, francamente, para muchos en Beehive State, las percepciones sobre la geografía cultural del estado tienden hacia el monolito o difieren hacia Salt Lake City y las áreas más densamente pobladas del norte de Utah como las más influyentes. Pero, de hecho, las seis regiones representadas en la excepcional y esclarecedora exposición A Greater Utah de la UMOCA enfatizan la conciencia ilustrada de una base cultural tan notablemente diversa, espectacular y duradera como los paisajes naturales del estado.

Los esfuerzos del estado para promover el turismo han logrado mostrar maravillas naturales impresionantes, pero también pueden usarse para magnificar cuán sorprendente y refrescante es el coro cultural de Utah, que se compone de muchas formas de arte visual y expresiva. Como explica Jared Steffensen, curador de la UMOCA, “la exposición proporciona un sitio para centros geográficos y artísticos que a menudo se pasan por alto, amplía las narrativas y definiciones de lo local y cultiva un coro de voces y perspectivas de Utah”.

Los espectadores pueden identificar fácilmente cada una de las seis regiones representadas, incluso sin el beneficio de etiquetas y carteles. Los artistas que cada curador regional seleccionó para representar la región resumen hábilmente la dinámica distintiva de la cultura de cada área, informada e influenciada por su historia, topografía, demografía, política y orientación espiritual.

Como curadora del norte de Utah, Tiana Birrell tomó nota de numerosas yuxtaposiciones y explicó cómo algunas de las áreas más densamente pobladas del estado existen junto al desierto occidental y el Gran Lago Salado.

Respecto a los cinco artistas representados (Levi Jackson, Amanda Lee, Art Morrill, Mitsu Salmon y Fazilat Soukhakian), Birrell explicó cómo un mapa migratorio y un patrón de vuelo de una aerolínea, junto con un “garabato repetitivo arriba y abajo de la I-15”, podrían trazar donde cada uno de ellos vive y crea. “Al igual que los millones de aves que migran y pasan a través del Gran Lago Salado”, señala Birrell, “estos cinco artistas representan lo que significa viajar, tanto física como metafóricamente, a través de fronteras percibidas y navegar por historias y paisajes complejos”. Por ejemplo, Lee's Wayfinding (2019), serigrafiado y grafito, documenta una caminata de ocho millas a través de campos de lava recién depositados. Como prueba de la capacidad de la artista para intuir a partir de fundamentos de conocimiento formales y tradicionales, Lee notó que un individuo delante de ella colocó pequeños trozos de coral blanco como marcadores en el paisaje de ébano para guiar su camino. Salmon utiliza ikebana, la forma japonesa de arreglos florales, para resaltar el uso de trabajadores asiáticos para la construcción del Ferrocarril Transcontinental y su abuela que trabajaba en una lavandería. Soukhakian, originario de Irán, tiene varias selecciones de dos proyectos fotográficos, Queer in Utah y Defiance, que reflejan la rebelión contra el status quo cultural que ha sido influenciado por las raíces históricas del mormonismo de Utah.

El tríptico de grandes impresiones fotográficas de Midnight Swim de Levi Jackson (después de Shiras) es sorprendente e impresionante. Emulando al fotógrafo de vida silvestre del siglo XIX, George Shiras, Jackson captura imágenes nocturnas de un arroyo de montaña durante una escorrentía, mientras la capa de nieve récord del invierno pasado se estaba derritiendo.

Los temas de surrealismo y arte abstracto generados en diversas formas multimedia resaltan la región del condado de Salt Lake, según la curaduría de Nancy Rivera. Las declaraciones artísticas se encuentran entre las más claramente articuladas en torno a los problemas sociopolíticos que rodean el área metropolitana más grande de Utah (quizás incluso más en la sección de la exposición del sur de Utah). Van desde los crecientes costos de vida y trabajo en una región marcada por la congestión del tráfico y un horizonte cambiante en el centro de la ciudad hasta una creciente brecha en la disponibilidad de viviendas asequibles, junto con preocupaciones sobre cómo una presencia humana cada vez más densa está ejerciendo presión sobre los recursos naturales y hídricos de la zona. .

De los artistas (Stephanie Espinoza, Vanessa Romo, Wren Ross y Xi Zhang), Rivera señala: “Cada una de las creaciones del artista surge de circunstancias individuales, pero en conjunto demuestran cómo compartir nuestras experiencias nos impulsa a estados mentales similares y teje una sentido de nuestra humanidad compartida”. Una excelente interacción de surrealismo y expresionismo, An Emanation de Ross, una acuarela de 2020 con lápiz de color, tinta y caseína, es una declaración coreográfica visual convincente de cómo la catarsis podría manifestarse en nuestros reinos psicológicos y cognitivos internos.

Mientras tanto, el centro de Utah, destacado por el valle de Sanpete, contiene uno de los vestigios más duraderos de los primeros asentamientos de pioneros mormones. Amy Jorgensen seleccionó a siete artistas para “reexaminar las narrativas tradicionales”, desarrollar un retrato más completo del área del Valle de Sanpete y cuestionar los mitos y el folclore predominantes asociados con la región.

Un video de tres minutos, Central Walk Through de Kelly Brooks, tiene un efecto ASMR, sobre cómo se siente caminar por el área, no muy diferente a aquellos que emigraron y se establecieron allí. El collage de pintura de técnica mixta de Richard Gate, Star Map, Cassiopeia, representado en óleo, papel y transferencia fotocopiadora sobre panel de chapa de abedul, es una contemplación autobiográfica multifacética de sus experiencias al moverse a través de espacios en la región central del estado. De la serie Baby Quilt de Ray Farmer, dos obras, realizadas con gres sin esmaltar, tela, hilo e hilo, son la respuesta del artista a la visita al Museo de los Pioneros de Salt Lake Daughters of Utah. Junto con otras piezas que representan el centro de Utah, el trabajo de Farmer despierta pensamientos sobre cómo visualizamos historias y legados transmitidos de generación en generación y cómo se transforman con conocimiento e iluminación, especialmente cuando intentamos borrar los momentos problemáticos y poco halagadores de nuestra memoria histórica.

Brooks también colaboró ​​con el escritor English Brooks para crear una pieza multimedia (un video de un teléfono celular e impresiones con crayones) que toma impresiones de fragmentos de versos poéticos de varios monumentos que conmemoran los asentamientos de los pioneros mormones y subvierte su contexto original.

Una de las obras más impresionantes de la exposición es un vídeo, de apenas tres minutos, que documenta una pequeña tienda independiente ahora cerrada en Sterling, Utah: Thomas Grocery, que era propiedad de Lily Thomas. Trabajó hasta los noventa y atendió a los clientes durante más de siete décadas. La tienda siguió funcionando, incluso después de que se abriera una tienda de Wal-Mart en la cercana Ephraim. Un artículo de Deseret News de 2007 citó a Thomas sobre cómo el hipermercado afectó su negocio, donde alguna vez vendió productos agrícolas y artículos como ropa y accesorios occidentales. "No hay manera de que una pequeña tienda independiente pueda competir en precios con un lugar como Wal-Mart", dijo, explicando por qué empezó a vender más refrescos e instaló una máquina de hot dogs. "Así que eso ha cambiado todo mucho". Thomas murió poco después de la publicación del artículo, a la edad de 93 años.

El tributo de Reza Savafi a Thomas Grocery es una descripción escrupulosa y detallada del sitio histórico. Tomó cientos de imágenes del edificio desde todos los puntos de vista y utilizó tecnología de escaneo 3D y video de 360 ​​grados para crear el videoarte. Añadió un paisaje abundante de una fuente de juegos de realidad virtual para que pareciera que la tienda acababa de aparecer en medio del paisaje.

El mismo impulso temático se transmite a través del trabajo de Katie Hargrave y Meredith Laura Lynn en su documentación de las huellas humanas del turismo en el Parque Nacional Arches. Además de una proyección de video, los artistas cosieron una carpa con imágenes de dominio público de los turistas vistos en el parque.

La representación más destacada de artistas indígenas y nativos americanos se encuentra en la región oriental de Utah, curada por Valentina Sireech. A Sireech se unen los artistas RJ Colorow y Chelsea Kaiah.

Como señala Sireech, el arte representa a creadores comprometidos con aumentar la conciencia sobre el activismo social productivo, ya que están “centrados en cuestiones culturales centradas en la tierra y el medio ambiente”. Algunas de las obras más detalladas de la exposición se encuentran en esta sección. Los artistas utilizan diversas técnicas mixtas digitales, fotografía, cuentas con materiales y técnicas habituales, acuarelas y dibujos a tinta representados en forma abstracta.

Hay ejemplos destacados de artistas que utilizan medios tradicionales para enfatizar su prominencia en la documentación histórica, como la impresionante obra de Colorow en acuarela y tinta titulada Elk Women. Kaiah's Connect, creado con cuentas de semillas, coral, cuentas antiguas, nácar, cuero de cordero teñido, cuerdas y telas, es un ejemplo vívido de cómo las artes tradicionales se convierten en un potente vehículo para comunicar historias culturales y presentar identidades individuales que de otro modo habrían sido descuidados, al considerar los aportes de la comunidad sobre la recuperación de la integridad de la tierra y la naturaleza.

En representación del condado de Utah, el curador Peter Everett siguió un camino diferente al pedir a cuatro artistas que crearan obras específicamente para A Greater Utah. "Hay un enfoque en el proceso y la transformación del material, ya sea a través de tradiciones artesanales, la aplicación de capas de pintura o la reutilización de herramientas de la industria", explicó Everett en la declaración del curador.

Los cuatro artistas –Makia Sharp, Brooklynn Johnson, Rachel Stallings-Thomander y Collin Bradford– se distinguieron por cómo experimentaron con técnicas y sustancias en obras que animan a los espectadores a interpretarlas de la forma más liberal posible y relevante para sus propias experiencias, sin sentirse decepcionados. necesidad de que el artista los explique. Los magníficos pasteles de Pear Tree Tie de Johnson, un óleo sobre lino, son un ejemplo por excelencia de esto. A él se suman otras tres obras del artista (Peeling, Night of the Abalone y Grief Blanket), todas sugiriendo un proceso creativo similar a peinar playas en busca de fragmentos u objetos que estén para siempre separados de su lugar holístico y donde podamos aprender a aceptar. la inevitabilidad de la pérdida.

En el sur de Utah, una región que está siendo transformada por el desarrollo y una población en crecimiento casi, si no más rápido, que en la región norte del estado, la curadora Jessica Kinsey seleccionó artistas que presentan un argumento convincente. Kinsey afirma escuetamente: "Eso es exactamente lo que está sucediendo en el sur de Utah: estamos matando y borrando lo que amamos".

Crowds at Angels Landing (2019), del artista fotográfico James Culbertson, documenta el importante aumento del turismo en el Parque Nacional Zion, donde los visitantes esperan para emprender la caminata de cinco millas y media. Otras imágenes son el Centro de visitantes, Fawn, Shuttle y Angels Landing Trail.

Refiriéndose a un sentimiento familiar sobre cómo los humanos ven al coyote como un depredador peligroso, Kelly Tapìa-Chuning amplía cómo los humanos ven a las especies nativas como amenazas competitivas (por ejemplo, aquellos que cazan ciervos). Una de las cuatro piezas, Sepultado, Este coyote ya No Ladra es una composición excepcional del concepto de doble conciencia: un sarape (manta mexicana) desmantelado y una piel de coyote no reclamada de Utah, conectada con clavos de cobre.

Al ofrecer una de las piezas más sólidas de la exposición sobre cómo se articula el tema, Being Diné, Alana Tapaha explora una amenaza diferente de borrado: la pérdida potencial de Diné Bizaad, una lengua navajo. Tapaha aborda esto desde una representación precisa que lleva el tema a casa con claridad deslumbrante. La obra consta de capas de dos tipos de papel. Las palabras de su idioma están impresas en letra pequeña y regular sobre papel soluble en agua, que se disuelve cuando entra en contacto con el agua, mientras que las traducciones al inglés están impresas en negrita en la hoja subyacente. El idioma tuvo su forma escrita creada por los Navajo Code Talkers durante la Segunda Guerra Mundial.

Kinsey impulsa aún más el tema del borrado con una obra de nicolas b. Jacobsen, un mormón de Utah de séptima generación, criado en la tierra natal de Nuwu y que se identifica como transno binario. Su pieza de técnica mixta Pioneering Terra Nulliparous parece un diseño de juguete en miniatura, con figuras de acción y elementos tomados de la historia mormona. Pero las múltiples referencias a tiempos históricos en los objetos que han elegido incluir transmiten los resultados holísticos de una historia pionera de colonización, ocupación y desarrollo que lamentablemente podría no detenerse hasta que se erradique cada vestigio de eras anteriores de la tierra.

Tiempo izquierdo de Steven Stallings-Cárdenas

Una magnífica obra de videoarte, Left Time de Steven Stallings-Cárdenas es un riff inteligente del incesante tamborileo como metáfora de nuestra existencia monótona dentro y fuera de nuestra jornada laboral. Vestido con pantalón negro, camisa blanca y corbata negra, el baterista toca una frase rítmica repetitiva en su kit. En el cortometraje, esa frase es omnipresente, como si el baterista nunca pudiera liberarse completamente de la monotonía de la jornada laboral, ya sea que esté conduciendo, viajando en un ascensor, estando en una fábrica o descansando en una cama en una habitación de hotel. . Finalmente, el baterista se encuentra a lo largo del borde del Gran Cañón, culminando en un lenguaje rítmico improvisado y más interesante. Los ritmos aumentan y disminuyen con un control escrupuloso de las cadencias, mientras el cineasta sincroniza perfectamente la música de percusión con las imágenes en pantalla.

Stallings-Cárdenas, graduado de la Universidad Brigham Young, ahora está cursando su maestría en bellas artes en la Universidad de Columbia, trabajando en un documental sobre cómo los artistas que están o han estado afiliados a la Iglesia de Jesucristo de los Santos de los Últimos Días se identifican. ellos mismos (por ejemplo, mormón o ex-artista SUD).

Altar con soporte para pasteles de Alyce Carrier

La exposición Cake Stand Altar de Alyce Carrier surgió del viaje de la artista para darle sentido a la desaparición de su hermana, ocurrida hace unos años. La hermana regresó después de menos de un año fuera de casa, pero para Carrier, la pregunta de por qué ocurrió sigue en pie. Así, ha ido procesando los recuerdos de lo que considera un hecho aún inverosímil.

Carrier interpreta el tema con elegancia, con las piezas de cerámica de arcilla como modelos de recuerdos prístinos e incontaminados. Las tensiones emocionales al intentar comprender la desaparición temporal de su hermana se comunican a través de las piezas esculpidas. Carrier es meticuloso en cuanto al fino equilibrio entre rugosidad y suavidad en su apariencia. Las obras parecen fuertes y resistentes, pero también se puede apreciar su fragilidad, que podría agrietarse y romperse sin previo aviso.

Ésta es la esencia del potencial terapéutico del arte, articulado de manera realista e inteligente. A menudo pensamos en cómo las grietas pueden disminuir o reducir el valor de una pieza. Si bien no hay grietas en las piezas de Carrier, intuimos correctamente que cualquier grieta o imperfección podría reflejarse en nuestras propias tensiones y vulnerabilidades, mientras intentamos darle sentido a eventos de nuestras vidas que probablemente nunca serán completamente comprensibles.

Carrier comunica eficazmente cuán paliativos pueden ser nuestros recuerdos. La artista ha impreso copias de fotografías de la celebración del noveno cumpleaños de su hermana. Se invita a los usuarios a arrancar una copia ellos mismos. Los recuerdos de tiempos más felices son fácilmente discernibles, pero también han sido coloreados y no parecen tan nítidos ni tan austeros como las piezas de cerámica que creó Carrier. Es un testimonio de la perseverancia en el objetivo de preservación.

Gut Set de Ben Sang

Para apreciar Gut Set de Ben Sang como una pieza teórica relevante que acompaña a la exposición principal A Greater Utah de la UMOCA, vale la pena considerar la apreciación del artista-antropólogo de los conceptos de hiperrealidad y simulacro de Baudrillard.

El trabajo de Sang comprende artefactos que no se recopilan para construir un collage, sino más bien como parte de un proceso más intelectual de unirlos y filtrarlos. Procesa esto hasta que encuentra el punto de contexto correcto que puede tener su propio peso para ilustrar y demostrar las tensiones entre los objetos elegidos.

Mientras los simulacros de Baudrillard ejemplifican cómo las copias o representaciones de artefactos pueden surgir como sus propias realidades, excluyendo la procedencia de los objetos, la historia o los eventos que representan, Sang logra un resultado similar al reunir objetos, copias, representaciones, etc., que definen simbólicamente a Utah. . La exposición de Sang en el Espacio de Artista en Residencia (AIR) del museo abre la vista más de lo que se ha visto en exposiciones anteriores en esa galería. Utiliza los artefactos para compactar el plano visual, lo que, a su vez, produce esa sensación de Baudrillard en la que ya no parece necesario distinguir la frontera que separa lo que parece real y lo que se simula.

Por ejemplo, reduce y multiplica la escultura del Árbol de la Vida de Karl Momen. Otros artefactos incluyen un modelo de un detector que los científicos utilizan en el desierto occidental del estado para detectar partículas de alta energía y rayos cósmicos. Hay un dibujo del White Pocket en el Monumento Nacional Vermilion Cliffs, donde Sang coloca una imagen digital de un bisonte zombi encima de la exclusiva roca ondulada de cima blanca.

UT '23 anual a nivel estatal: Técnica mixta y obras en papel

Un complemento fortuito a las exposiciones actuales de la UMOCA antes mencionadas es la UT '23 anual estatal: Técnicas mixtas y obras sobre papel, coordinada por la División de Artes y Museos de Utah (UA&M).

Con dos jurados de fuera del estado (Julio César Morales de Arizona y Pat Hickman de Nueva York), la UA&M, con el curador invitado Peter Hay, seleccionó 28 obras de 24 artistas. Vale la pena dirigirse a la galería principal en el nivel inferior para contemplar primero el Gran Utah y luego subir las escaleras para ver las obras de la exposición anual estatal. Seguir esa secuencia reforzará el pulso temático de la evidencia de A Greater Utah de la amplia gama diversa de geografía cultural en las artes visuales.

Entre los premios otorgados estuvieron:

Lo mejor del espectáculo($ 1,000): Lineal, Jean Richardson

Premio del jurado($600): Dos tortugas en Gikal, Brandi Chase

Premio del jurado($600): Nepantla, Rocio Cisneros-Vasquez

Premio del jurado($600):Trastorno amoroso obsesivo, Jamie Clyde

Premio del jurado($600):Esqueletos en el lago, Jim Frazer

Premio del jurado($600):Vacío, Lenka Konopasek

Premio del jurado($600):El último tigre de Tasmania, Alison Neville

Mención de Honor($200):Muerte vinculante, James Rees

Mención de Honor($200):Luz en su rostro, Evelyn Roundy

Se anunciará un premio del público a principios de septiembre y los visitantes de la galería podrán votar hasta el 1 de septiembre.

Se presentaron a consideración 394 obras. Hickman, un artista de estudio de tiempo completo conocido a nivel nacional que vive en el valle del Bajo Hudson, dijo que la experiencia como jurado “me ha ayudado a comprender y aprender lo que hay en las mentes y los corazones de los artistas que presentaron sus trabajos. Hay temas compartidos: pérdida, identidad, mortalidad, fragilidad, preocupaciones climáticas y amor por el lugar”.

Morales, director ejecutivo y cocurador jefe de MOCA Tucson. agregó: “Navegando por los límites entre el espacio, la forma y el material, las obras invitan al espectador a reflexionar sobre las relaciones humanas y la complejidad de las estructuras sociales”. Citando las expresiones más amplias de esperanza de un futuro mejor en la muestra, explicó: “Un hilo conductor interesante es cómo los artistas transforman los materiales y traspasan los límites de cualquier medio determinado. Ya sea que trabajen con follaje o pintura acrílica, estos artistas comprenden la necesidad de alterar sus medios para avanzar en la conversación”.

Para obtener más información sobre las cinco exposiciones, consulte el sitio web de la UMOCA.