Navegador de Bandcamp, agosto de 2023

Vivimos una época dorada de las reediciones. Tiene sentido cuando lo piensas, ya que hay mucho en qué profundizar: un tesoro escondido de música que merece una mayor atención pero que, por alguna razón, es posible que no lo hayas recibido la primera vez. Esto es especialmente cierto en el caso de los lanzamientos de punk y bricolaje de los viejos tiempos de la década de 1990. Aquellos de nosotros que estuvimos presentes en esa escena estamos llegando a una edad en la que, como todas las poblaciones que envejecen, solo queremos sentarnos en el sofá y escuchar canciones antiguas (bueno, tal vez solo hablo por mí aquí…) y hay muchas etiquetas listas para ayudarnos a lograr ese objetivo. Esta vez comenzamos nuestro viaje con una reedición de la escena post punk/DIY del área de Detroit.

Aquí, en un paquete conveniente, está todo lo grabado por la banda post-hardcore de Detroit Vine, un grupo que fue un nexo entre muchos que conectaron a las bandas en esa escena en los años 90. Dos miembros de Vine, el guitarrista Charles Wood y el vocalista Ryan Gage, formarían Broken Hearts Are Blue; La evolución hacia el sonido de esa banda se desarrolla a lo largo de esta compilación. Todas estas pistas fueron, según las notas del álbum, grabadas en 1992. El estilo musical aquí es definitivamente el sonido “hardcore emocional” de la época; La influencia de los Ritos de la Primavera se siente fuertemente. Sin embargo, dentro de estos temas hay una exploración de varios estados de ánimo, desde el sombrío y quejumbroso “Without Feeling Ugly”, que aprovecha al máximo la dinámica ruidosa, silenciosa y ruidosa, hasta la síncopa precisa de “Jack Red Cloud” que presagia el arrogancia de los primeros años de la Rye Coalition un par de años después. No importa si conocías Vine o no en el 92; lo que importa es si la música que hicieron todavía tiene impacto tres décadas después. Esta colección es una prueba de que así es.

Nuestra primera etiqueta geográfica de este viaje nos encuentra en #Kalamazoo, Michigan. Saquen sus teléfonos. Los necesitarás para nuestras próximas paradas...

El truco aquí es que todas estas canciones fueron grabadas en teléfonos; como dicen las notas del álbum, el teléfono es esencialmente "un cuatro pistas que básicamente puede doblar el espacio y decirte dónde conseguir buena comida indonesia". La capacidad de colaborar musicalmente casi instantáneamente con alguien en cualquier otro lugar del planeta es un desarrollo bastante revolucionario. Majority Haircut ha utilizado esta herramienta básica para crear una amplia colección de canciones que exploran el contraste entre lo simple y lo complejo. Tomemos, por ejemplo, "Millie me dijo que escribiera este". Poco a poco se construye desde un comienzo simple hasta un monstruoso muro de sonido al final de la pista. “Honey Dream” es una recitación del recuerdo de un sueño sobre una música ligera y esquelética, fugaz no sólo en su tema sino también en su sonido. “Woodrats” se basa en un tempo de marcha tambaleante que parece sencillo en la superficie, pero que se vuelve un poco siniestro en los bordes a medida que avanza la canción. En general, Canciones de Michigan Cellphones vol. 2 es un registro interesante en capas que se eleva por encima de la relativa novedad de la forma en que fue creado.

El disco de Majority Haircut fue grabado en un #celular (o tal vez en más de uno, pero la etiqueta que usaron es singular, así que ahí nos quedamos). Estamos usando esta etiqueta para pasar de la música grabada en teléfonos a la música grabada para teléfonos.

Antes de que podamos hablar sobre este lanzamiento, debemos abordar un par de preguntas muy importantes. Primero: ¿Alguien ya usa tonos de llamada? Segundo: ¿Los tonos de llamada son música? No puedo responder a la primera. Como la mayoría de las personas que conozco, tengo mi teléfono en silencio absoluto el 100% del tiempo. Me sorprendería si hiciera algún ruido de cualquier tipo que no fuera el resultado directo de que yo se lo pidiera. El segundo es un poco más complicado. Por supuesto, la respuesta es “sí”, pero a la luz del hecho de que muchos de nosotros mantenemos nuestros teléfonos en silencio/vibración, surge una tercera pregunta sobre cómo Lardon pretendía que estas obras fueran escuchadas. Si realmente se van a utilizar como tonos de llamada, entonces no puedo evaluarlos como tales, pero como composiciones electrónicas del tamaño de un bocado, son geniales. Desde “makhnovtchina 3310”, que suena como si pudiera lograr un nivel perdido de Tetris, hasta el tonto “a dog on a karting”, pasando por el furioso “metal de schlag” y el burbujeante “dance dance frágil”, estos temas son divertidos. pequeñas pepitas de felicidad electrónica. Son ligeros y realmente es un placer escucharlos. Definitivamente no me gustaría escucharlos cada vez que llegue un mensaje de texto, pero como dulces musicales realmente satisfacen.

Supongo que Lardon usó la etiqueta #free music para indicar que su álbum es de uso gratuito para el propósito previsto. Pero hay otros significados de "gratis". Pasamos ahora a una obra que utiliza la misma etiqueta para anunciar su falta de estructura lineal.

Luis Lopes y el grupo de músicos que ha reunido aquí presentan una composición improvisada dividida en siete partes; en conjunto, es disonante, tambaleante y atonal, pero llena de atmósfera. Con un tono que va desde los saxofones nerviosos y rebotantes y la guitarra eléctrica con pedal wah-wah que dominan la parte IV hasta las cuerdas lentas, casi siniestras, inclinadas y punteadas de la parte III que involucran al mismo saxofón en una conversación mucho más tenue, Echoisms es un desafío, sí. , pero infinitamente cautivador y atractivo. La experimentación aquí se desarrolla de varias maneras lúdicas, cada músico trabaja con los demás del grupo para crear sonidos nuevos y vigorizantes. El sonido de cada pieza, y a su vez, el álbum en su conjunto, evoluciona de maneras inesperadas e incluso en la segunda o tercera escucha, trae sorpresas y nuevas perspectivas musicales. No es lineal y sirve para ampliar los horizontes del oyente en cuanto a las posibilidades de los instrumentos, los conjuntos e incluso el concepto mismo de “música”.

Nos quedaremos un tiempo en #Lisboa, Portugal, pasando de la improvisación experimental a material más tranquilo.

No hay músicos acreditados aquí, por lo que es difícil saber si Bea Lua es el nombre del músico o el nombre de la banda (o ambos), así que no sé a quién se le debe atribuir la voz en este álbum, pero es una hermosa voz. Hace que el oyente se sienta cómodo desde el principio. En “Seal”, con calidez y franqueza, Bea Lua imagina que el narrador es el animal titular, que vive solo en una isla de hielo y “se ocupa de mi negocio de focas”. Aunque esa encantadora voz ocupa un lugar central en todas estas pistas, la musicalidad está lejos de ser un acompañamiento básico. Sonidos de sintetizador de buen gusto (“Free”), piano elegante (“Between”), batería tenue pero potente (la canción principal), guitarra pulsada con los dedos (“Fadu”) e incluso algunos instrumentos de viento (los momentos finales de “Lua”) trabajen juntos para apoyar las voces y agregar textura al álbum. El resultado es un trabajo suavemente fascinante que se siente nuevo y fresco con cada escucha repetida.

Estamos de vuelta en medio de nuestro viejo amigo la etiqueta #folk. Como es de esperar, lo estamos usando como un camino hacia algo que definitivamente tiene una fuerte influencia folk, pero que no es exactamente lo que se podría esperar de la música folk.

Comenzando con sonidos apagados y distantes que suenan como si se escucharan bajo el agua, Ciana Cia Mumbi pronto nos lleva a la superficie, emergiendo a la noche donde se escuchan claramente las percusiones metálicas y los sonidos nocturnos de los animales de “Kiambirira”. Nos quedamos allí, en la noche sonora de Muthoni Ni Mimi, por un momento hasta que el zumbido de “Githaka Githaka” nos empuja nuevamente a un estado fantasmal donde muestras superpuestas de canto y risas se combinan con el sonido de campanas distantes y desorientadoras para desorientarnos. , desatracándonos en el tiempo y el espacio. Este es solo el comienzo de un viaje que combina aspectos del espiritualismo tradicional de África Oriental con música ambiental densa y multifacética, palabra hablada y grabaciones de campo muestreadas. Los fantasmas y el agua son temas recurrentes aquí (por razones que se explican con más detalle en las notas del álbum) y esos temas están perfectamente representados sonoramente. Es común tomar una muestra de agua corriente y trabajarla en una pista ambiental, pero aquí esos sonidos, junto con otros sonidos de la naturaleza, se utilizan de maneras novedosas al servicio de una narrativa temática. Como el agua a la que regresa repetidamente el álbum, se trata de una obra amorfa que fluye, una experiencia que permanece con el oyente incluso después de que “Guciarwo Ringi” haya llegado a su fin.

La etiqueta #ambient nos permite pasar de la música electrónica con influencia folk a un artista establecido que crea bandas sonoras inspiradas en la fantasía.

Toda la discografía de Rog es una prueba de las limitaciones del amplio género del “sintetizador de mazmorra”. Claro, el proyecto se ajusta absolutamente a esa descripción, pero hay un mundo de diferencia entre algunos de los habitantes más crudos de esas cavernas y los paisajes sonoros de fantasía elaborados, a menudo delicados y cuidadosamente construidos de Rog. Los trabajos anteriores de Rog (el magistral Avalon de 2019, por ejemplo) muestran su destreza para combinar elementos ambientales con cuerdas y percusión. En Verdant, esos elementos ambientales, aunque todavía presentes, son menos directos. En cambio, Rog se apoya en gran medida en las cuerdas, los instrumentos de viento y la percusión, creando la banda sonora de una aventura de castillo de fantasía; Algunas de estas pistas son absolutamente cinematográficas en su atmósfera. Tomemos como ejemplo “Muro de lanzas”; La atronadora percusión de la pista precede a las grandilocuentes voces de metales que transmiten una mezcla de determinación y ansiedad. Casi puedes ver a los guerreros armados enfrentándose en un campo de batalla en llamas mientras se juega. Verdant es una prueba más de que Rog debería estar a la vanguardia de cualquier conversación sobre artistas contemporáneos de sintetizadores medievales, de fantasía y de mazmorras. Es un logro fantástico.

Con base en #Croacia, el uso que hace Rog de esta etiqueta de ubicación nos permite pasar del sintetizador de mazmorra al heavy metal, lo cual no es realmente un salto sorprendente para cualquiera que preste atención, pero no es hacia el black metal a lo que nos estamos moviendo. Es un buen death metal pasado de moda, al estilo de los 90.

Todo en esto es un tributo amoroso (si se puede usar esa palabra con un tema tan brutal) a “las viejas costumbres” del death metal de finales de los 80 y principios de los 90. La superstición lo hace bien. Excruciating Methodology es una combinación perfecta de los estilos de death metal de “Florida” y “Suecia” que lideraron la carga durante los días de gloria. Lo que hace que este lanzamiento se destaque en un mar de adoración del death metal de la vieja escuela es el borde crudo que queda. No es una grabación de baja fidelidad de ninguna manera, pero en lugar de pulir todo hasta lograr un brillo reluciente, Superstition deja algo de arena. ahí para darle textura. Las voces, por ejemplo, a veces amenazan con dominar la grabación, explotando en los bordes, haciéndolas sonar aún más frenéticas. Musicalmente, está claro que Superstition toca lo más rápido posible, mi principal requisito para cualquier banda que utilice sus guitarras eléctricas con un pedal de distorsión. Las verdaderas emociones se encuentran en el límite entre la estructura y el colapso. Escuche el tumulto inicial de “Ceremonial Insanity” y quedará claro que Superstition sabe cómo subirse a esa ola.

El #death metal es tan obvio aquí que sería algo exasperante si no estuviera presente. Nos quedaremos firmemente en el barrio de la “música de los gritos” para nuestra próxima parada, pero es un estilo diferente de gritar.

Hay algunas cosas que podría contarte sobre el último lanzamiento del grupo italiano de hardcore Fury Department. Este lanzamiento combina tres nuevos y aplastantes asaltos de riff con su EP Friendship Oldness Commitment de 2021. Esas nuevas canciones se basan en el trabajo preliminar que sentó la versión anterior, poniendo más partes de dos pasos listas para usar y grandes desgloses al mundo. El nuevo material continúa la práctica de Fury Department de incluir vocalistas invitados en sus temas, trayendo a la fiesta a miembros de Erie, XRepresentX de Pensilvania y Knuckledust de Londres. Todo esto renovó la vida de las ya excelentes grabaciones antiguas relanzadas aquí, no solo mostrando los estilos de producción mejorados de Fury Department sino también brindando a más personas la oportunidad de escuchar un gran hardcore que quizás se hayan perdido. Hay una ruptura atronadora, increíblemente dura y armónica cargada de chillidos que termina en "Hardcore is my Friend", y eso merece su atención. Pero quizás lo más importante de este lanzamiento es que “Nakatomi's Blood” presenta una muestra de la bocina de un camión que pasa sonando por el oyente justo antes de que ocurra la ruptura de la canción, y que este es uno de los mayores gritos de mosh en la historia del hardcore.

Varios sellos han publicado este álbum; un sello tiene su sede en Londres y otro, Bound By Modern Age, tiene su sede en #Alemania. Ahí es donde esta vez terminaremos nuestro viaje, con una rápida ráfaga de excelente garage-punk.

El segundo larga duración del combo de garage rock Catch As Catch Can hunde los dientes desde los primeros segundos del tema inicial “War Ain't Over” y no lo suelta hasta el final. Esto se debe, en gran parte, al tono de guitarra distintivo, agudo y zumbante que se utiliza en todas partes. Es intenso sin llegar a ser "perforante" o molesto. Rara vez bajando el tempo por debajo de lo que yo describiría como “tiempo medio” (más explícitamente en el impactante “Medium Rare” y luego en el ligeramente más tenue “Surviving the Good Life”), las 13 pistas de este álbum pasan volando en lo que Se siente como un abrir y cerrar de ojos. Los más destacados incluyen “Phantom Time” al estilo Hi-Fives (prácticamente una epopeya de casi cuatro minutos y medio de duración) y “Latent Stupor”, con una línea de guitarra entrecortada que se convierte en un absoluto quemador de granero de un coro. Todo es nítido, pegadizo y tremendamente divertido.

Desde el Michigan de los años 90 hasta la Alemania moderna es todo un viaje y me alegra que lo hayas llevado conmigo. Voy a ir a escuchar esa parte de muestra de la bocina del camión de ese disco de Fury Department otras 12 o 13 veces seguidas, pero no espero que me sigas allí. A veces tenemos que salir y hacer lo nuestro, ¿sabes? Volvamos a encontrarnos aquí pronto y hagámoslo todo de nuevo.