Dos marcas de moda desentrañan la identidad asiática

“REFASHIONING” en la Japan Society de Nueva York reúne a dos marcas de moda emergentes: Wataru Tominaga de Tokio y CFGNY del centro de Manhattan, mientras la política cultural asiático-estadounidense llega a un momento crítico. Los picos en la violencia reportada contra los asiáticos han aprovechado una fuente de ira creciente, tensiones que a menudo se alivian con iniciativas comerciales como la moda, el arte y el estilo de vida. Es un sueño seductor y brillante: que “remodelar” las decisiones personales de uno puede generar cambios radicales comparables a un reordenamiento político total. Este contexto deja a los diseñadores aquí con una pregunta desalentadora: ¿Cuáles son los riesgos de la producción cultural asiática y de la diáspora asiática dentro de una industria que está inherentemente comprometida políticamente?

La exposición comienza con un vídeo de CFGNY que aborda este mismo tema. El apodo del colectivo es una abreviatura de “Concept Foreign Garments New York”, que comprende a los artistas Daniel Chew, Tin Nguyen, Kirsten Kilponen y Ten Izu. Cada uno toma su turno para narrar mientras una cámara boroscopio recorre un papel amarillento sacado de los archivadores de la Sociedad Japonesa. El lenguaje pomposo de su contenido ha envejecido mal. Chew lee un folleto de viajes que asegura a los occidentales que desean “penetrar en el interior real” de Japón y China que habrá hoteles limpios comparables a los de Europa. La cámara recorre la palabra “Oriental” y los elegantes menús de almuerzo de la alta sociedad, y finalmente serpentea a través de lo que resultan ser las formas escultóricas huecas del propio CFGNY que se ven en “Refashioning”: superficies sorprendentemente corpóreas y llenas de protuberancias parecidas a pústulas o vellosidades. . El resultado es una investigación colonoscópica de cómo se produce el carácter japonés de la institución a través de la lente distorsionadora de la diplomacia extranjera; sus posesiones evocan una idea del país aceptable para distinguidos conocedores, miembros de la alta sociedad, políticos y filántropos (John D. Rockefeller fue presidente de la Sociedad de 1952 a 1977). El vídeo de CFGNY, por muy crítico que sea con la identidad como inversión nacionalista y de élite, parece abandonar por completo el deseo de autenticidad. En lugar de emitir un correctivo a tergiversaciones o estereotipos perniciosos, los artistas trabajan para disolver cualquier idea de esencia nacional, regional o cultural. Como ha escrito el académico Takeo Rivera, “la subjetividad asiático-estadounidense se convierte en sí misma a través de su propia ruina”. Su visión corresponde a las ideas inestables del propio colectivo de ser “vagamente asiático”, frase que han adoptado para describir el espíritu del grupo.

Cerca de allí, un maniquí viste lo que, en mi opinión, permanece, desde que debutó en una sinuosa pasarela de cartón en 47 Canal en 2018, el diseño más fuerte de CFGNY. Titulado New Fashion II, el número de malla transparente se hincha cerca de una sección media impregnada de animales de peluche en una cámara bulbosa y tumescente inspirada libremente en las teorías estéticas del icónico espectáculo “bultos y protuberancias” de 1997 de Sianne Ngai y Comme des Garçons. (La artista Christine Sun Kim lució una versión para la recepción inaugural de la Bienal Whitney de 2019). Mientras que muchos diseñadores intentan revisar el cuerpo humano para convertirlo en un ideal conformista, las antiguas casas de moda europeas como Christian Dior o Fendi, propiedad de la empresa matriz. La compañía LVMH, vienen a la mente como marcas que sacan a relucir las mismas colecciones de género año tras año, todas con cinturas ceñidas y siluetas alargadas; CFGNY sutura lo que ya existe pero se siente indescriptible: proyecciones psíquicas de lo lindo y grotesco en la carne asiática.

Para “Refashioning”, CFGNY ha equipado una sala donde se reconstruyen en cartón fragmentos de edificios vecinos en Midtown. Delicadamente, incluso con amor, plasmados en este humilde material, los adornos ornamentales de “Occidente” (cornisas góticas, columnas neoclásicas) se vuelven frágiles y penetrables. Esta arquitectura efímera contiene un comedor con mesas y sillas para banquetes que funcionan como pedestales para una serie de esculturas de porcelana que surgen de la unión de varios objetos cotidianos. En una apuesta por lo aleatorio, lo absurdo y el humor, una obra se titula Consolidated in Relation, Blue (1 Basket, 1 Sports Bra, 2 Bottles, 2 Cups), 2022. Además de ofrecer comentarios sobre el punto intermedio que pueden parecer un poco En la nariz, estas encantadoras inosculaciones reflejan la prioridad que da CFGNY a las relaciones interpersonales. Daniel Chew describió el colectivo como un esfuerzo por reunir a diseñadores asiáticos con ideas afines que navegan en una industria predominantemente blanca que, de otro modo, los haría "competir por ser un símbolo [racial]".

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Al igual que los diseñadores de CFGNY, Wataru Tominaga comenzó su carrera en bellas artes y vio la moda como una forma de expandir su práctica. Pero el artista nacido y radicado en Japón llegó a involucrarse con el concepto de “Asia” de manera diferente y ha experimentado la alteridad de maneras distintas a las dinámicas raciales de los Estados Unidos, habiendo estudiado en Londres y trabajado con marcas europeas como Marimekko y John Galliano. . Durante el panel, cuestionó si su trabajo tiene algo que ver con la identidad. “Nunca sentí realmente que soy asiático”, dijo. Dada la perspectiva de Tominaga, los diseñadores podrían al principio sentirse incompatibles y, sin embargo, Tominaga se alinea con el proyecto de CFGNY para sabotear las ideas monolíticas de Asia en Occidente. Aquí y en otros lugares, el trabajo de los diseñadores evita los clichés de Oriente y Occidente que a menudo acosan las exposiciones de moda (como en el espectáculo orientalista del Museo Metropolitano de Arte “China: a través del espejo”); El video y la instalación de CFGNY exponen los vectores de poder que hacen que esta relación sea tensa.

Además, la obra de Tominaga se rebela contra el minimalismo restringido que todavía domina las percepciones estadounidenses de la alta cultura japonesa. Se entrega a lo llamativo y de mal gusto de maneras que se sienten liberadoras o delincuentes, superponiendo, por ejemplo, rayas sobre cuadros sobre rombos: un puñetazo caleidoscópico en los ojos. Sus diseños a menudo se inspiran en piezas vintage, utilizando camisetas serigrafiadas y teñidas para construir vestidos que dan al usuario el efecto de haber chocado con un perchero. Cuelga como especímenes para estudio científico, suspendidos dentro de marcos de metal industriales diseñados por el dúo Chen Chen y Kai Williams, con sede en Brooklyn. Sus formas fantasmales se intercalan con fragmentos textiles rectangulares tensados ​​con clips de metal, como lo harían las pieles de animales mientras se curten para obtener cuero. Estos fragmentos aplanados hacen alarde de la pictórica experiencia textil del artista, con sus vibrantes hebras dispuestas en patrones o dejadas sueltas como garabatos antes de presionarlas en su lugar con calor.

Ambas marcas, si se les puede llamar así, buscan la imperfección frente a la estética neoliberal antiséptica que hace que la vida contemporánea parezca tan vacía. Su trabajo evoca el delantal del carnicero, el escolar difícil de manejar, los amantes en un fotomatón, los productos baratos del vendedor ambulante e incluso el elegante dandy: un conjunto disonante que no se adapta fácilmente a la cultura visual en ascenso de la “burguesía racial” que Académicos como Mari Matsuda han advertido que los estadounidenses de origen asiático estaban en peligro de convertirse en.

“¿Quieren las personas de ascendencia asiática en este país ser asiático-americanos?” La crítica Andrea Long Chu planteó recientemente esta provocativa pregunta para un número de una revista de Nueva York con el tema “En casa en la América asiática”. En una época en la que la identidad racial en la imaginación popular es tan a menudo legible a través de las heridas y la muerte, es difícil imaginar una respuesta a esta pregunta con entusiasmo. Sin embargo, CFGNY y Tominaga enfrentan la identidad como una tela para cortar y crear de nuevo, y sus prendas brindan una bienvenida exuberancia y ligereza en medio de la falsa austeridad auto seria que se ha puesto de moda en respuesta a nuestro momento actual.

La pregunta de Chu es sobre pertenencia, pero también sobre deseo. ¿Qué quieren las personas de ascendencia asiática en este país? ¿Por qué el goce y la libido asiático-americanos, como el placer de mirarse en el espejo, parecen temas intocables, o incluso contradictorios con un proyecto político como el de hacer real a la América asiática? La académica y escritora Saidiya Hartman menciona la “contrainversión en el cuerpo como lugar de placer y articulación de necesidades y deseos” como un componente crítico de la liberación negra. Los asiáticos y los asiático-americanos que se esfuerzan por derrocar el capitalismo racial, entonces, también podrían encontrar el deseo corporal en crisis. Los diseños de Tominaga y CFGNY ofrecen nuevas apariencias, permitiéndonos vernos cambiados en un momento en el que el cambio parece cada vez más imposible. Y, sin embargo, lo que persigue “Refashioning” no es tanto la emoción de sentirnos distinguidos entre la multitud: nos invita a enfrentar el desafío mucho más difícil de ocupar plenamente la carne en la que estamos.

“Refashioning: CFGNY and Wataru Tominaga” se presentará en la Japan Society en Nueva York hasta el 19 de febrero.

Danielle Wu es escritora y curadora y vive en Brooklyn, Nueva York. Actualmente es gerente de comunicaciones y bases de datos en Asian American Arts Alliance (A4) y anteriormente fue becaria digital en Democracy Now!