La Asamblea

Revista

Starr Figura

4 de agosto de 2023

Las latas de sopa Campbell's marcaron el inicio de un año notablemente productivo y auspicioso para Andy Warhol. Entre las extraordinarias series que desarrolló durante el resto de 1962 y principios de 1963 se encuentran las pinturas conocidas como Marilyns, Elvises y Death and Disasters. En ellos, Warhol continuó aplicando la estrategia de la repetición en serie, ya sea mediante la creación de múltiples lienzos como variaciones sobre el mismo tema o como un solo lienzo cuadriculado con imágenes repetidas. Al realizar estas y otras pinturas ese año, encontró un nuevo medio, la serigrafía (también conocida como serigrafía), que amplificaba las implicaciones mecánicas de su arte. Inmediatamente se convirtió en su técnica distintiva.

Warhol había hecho minuciosamente a mano los 32 paneles de las latas de sopa Campbell's, utilizando un proyector para ampliar el logotipo que aparecía en los sobres de Campbell Soup Company y luego calcándolo. Con las líneas de lápiz como guía, rellenó las formas delineadas con pintura acrílica (un medio entonces asociado con el trabajo comercial, a diferencia del arte “bello” de la pintura al óleo) y usó un sello de goma para aplicar las filas de flores doradas. -de-lis en el fondo de cada lata. Aunque hay algunas discrepancias sutiles en los tonos rojo y blanco y en los sellos y medallones dorados, Warhol tuvo cuidado de mantener una uniformidad excepcional entre los lienzos y minimizar la visibilidad de las pinceladas u otros signos de su propia mano.

Después de haber elaborado laboriosamente a mano esas 32 obras casi idénticas, quería encontrar un método más eficiente para replicar imágenes. Intentó utilizar plantillas como ayuda en algunas pinturas de latas de sopa que hizo poco después, incluidas 200 latas de sopa Campbell, un solo lienzo en el que consolidó el principio de repetición en una gran cuadrícula. También intentó estampar un lienzo entero, lo que permitía repetir infinitamente pequeños motivos [ver a la derecha]. Pero esto todavía requería mucha mano de obra y, como comentó más tarde, se sentía “hecho en casa”.

Andy Warhol. Sellos verdes S&H. 1962. Tinta serigráfica sobre pintura polimérica sintética sobre lienzo.

Andy Warhol. Doble Elvis. 1963. Tinta serigráfica y acrílico sobre lienzo.

La serigrafía, una técnica comercial para imprimir papel tapiz y telas, era más rápida y libre, más mecánica e impersonal que cualquiera de esos otros métodos de aplicación de pintura. Warhol habría estado familiarizado con sus aplicaciones en la moda y la publicidad, y también había estado expuesto a él como medio artístico en la década de 1940, cuando vio una exposición de artistas de la WPA que lo utilizaban, excepcionalmente, para realizar grabados. La estética de la serigrafía es industrial (plana, colorida y de bordes duros), pero es lo suficientemente maleable como para permitir colores variables y cambios sutiles en el registro de una copia a la siguiente. Esto permitió a Warhol lograr finalmente lo que llamó “un efecto de línea de montaje”.2

La serigrafía también le permitió a Warhol incorporar imágenes fotográficas en su trabajo y convertir a las celebridades en un nuevo enfoque. Sus imágenes de estrellas de cine (Troy Donahue, Elizabeth Taylor y otras, además de Marilyn Monroe y Elvis Presley) se basaban típicamente en fotografías publicitarias de la industria cinematográfica. “Con la serigrafía”, explicó Warhol, “se elige una fotografía, se la expande, se transfiere con pegamento a la seda y luego se pasa tinta sobre ella de modo que la tinta atraviese la seda pero no el pegamento. De esta forma obtendrás la misma imagen, ligeramente diferente cada vez. Todo fue tan simple, rápido y arriesgado. Me emocionó.”3

Andy Warhol. Marilyn Monroe de oro. 1962. Tinta serigráfica y acrílico sobre lienzo.

Andy Warhol. Marilyn Monroe. 1967. Portafolio de 10 serigrafías

Las numerosas pinturas de Monroe que Warhol serigrafió en 1962-1963 y el portafolio editado de 10 serigrafías, Marilyn Monroe, que realizó en 1967 se basaron en la misma foto promocional de la película Niágara (1953), que a veces recortó a un tamaño reducido. busto rectangular, a veces hasta una cara cuadrada más ajustada. Las Marilyns de Warhol se representan de manera similar a sus latas de sopa Campbell: flotando libremente, sin ningún detalle de fondo o contexto. De hecho, cuando Walter Hopps preguntó al artista cómo describiría las latas de sopa Campbell, Warhol le dedicó una sonrisa divertida y dijo: "Creo que son retratos, ¿no?" Transfiguración religiosa y profundamente irónica de un producto de consumo (una lata de sopa fabricada industrialmente, una estrella de cine fabricada por la máquina publicitaria de Hollywood) al estatus elevado de una reliquia sagrada o una imagen devocional. Si bien al principio las Marilyns podrían parecer más obvias, los medallones de oro centrales en las etiquetas de Campbell, repetidos 32 veces, hacen eco de la serie de halos idénticos que Warhol habría visto todos los domingos cuando era niño, rodeando las cabezas de los santos en el Iconostasio (o pantalla de pinturas de iconos) en la Iglesia Católica Bizantina San Juan Crisóstomo en Saline Street en Pittsburgh. Cuando llamamos icónicas a las latas de sopa, hasta cierto punto estamos siendo literales.

Andy Warhol. Latas de sopa Campbell. 1962. Acrílico con pintura de esmalte metalizado sobre lienzo, 32 paneles.

Los pintores habían utilizado durante mucho tiempo las fotografías como herramienta, pero normalmente ocultaban ese hecho porque lo consideraban una especie de trampa. Con un doble golpe, Warhol incorporó la fotografía de los medios de comunicación y la serigrafía con fines comerciales a la pintura “seria”. Utilizando técnicas de reproducción mecánica (las mismas técnicas mediante las cuales se difundían y popularizaban los productos comerciales) para representar temas orientados al consumo, logró una provocativa unión entre forma y contenido. Afirmando su compromiso con la repetición por encima de la unicidad, el populismo por encima del elitismo, explicó que “los medios mecánicos existen hoy, y usándolos puedo hacer llegar más arte a más personas. El arte debería ser para todos”. 5 Y en la reprimenda definitiva al culto de los expresionistas abstractos a la autoexpresión individual e introspectiva, declaró: “La razón por la que estoy pintando de esta manera es que quiero ser una máquina”. 6

Andy Warhol y Pat Hackett, POPismo: The Warhol '60s (Nueva York: Harcourt Brace Jovanovich, 1980), 22.

Warhol y Hackett, POPismo, 22.

Warhol y Hackett, 22.

Warhol, citado en Walter Hopps, The Dream Colony: A Life in Art (Nueva York: Bloomsbury, 2017), 122.

Warhol, citado en Douglas Arango, “Underground Films: Art or Naughty Movies”, Movie TV Secrets (junio de 1967), sn, citado en Benjamin HD Buchloh, “Andy Warhol's One-Dimensional Art: 1956–1966”, en Kynaston McShine, Andy Warhol: una retrospectiva (Nueva York: Museo de Arte Moderno, 1989), 40.

Warhol, citado en G[ene] R. Swenson, “¿Qué es el arte pop? Respuestas de 8 pintores, Parte I”, Artnews 62, no. 7 (noviembre de 1963): 26.

Un extracto de la serie One on One del MoMA ofrece una mirada cercana a una pintura que une lo abstracto y lo figurativo.

Samantha Friedman

22 de noviembre de 2022

Sumérgete profundamente en la icónica y escalofriante pintura de Faith Ringgold con este extracto de la entrada de Anne Monahan en la serie One on One del MoMA.

Anne Monahan

14 de junio de 2020

Siga el viaje de tres décadas de un fotógrafo a través de las celebraciones del 16 de junio y del Día de la Emancipación.

DaeQuan Alexander Collier, Daniel S. Williams, Megan Paulson, Peter Williams

16 de junio de 2023

Siga el viaje de tres décadas de un fotógrafo a través de las celebraciones del 16 de junio y del Día de la Emancipación.

DaeQuan Alexander Collier, Daniel S. Williams, Megan Paulson, Peter Williams

16 de junio de 2023